Пейзажная фотография в ТДФ

22 декабря 2015 года завершился очередной курс Школы-студии фотографического искусства при Ташкентском Доме фотографии. А 24 декабря многие из ее выпускников вместе с опытными мастерами уже приняли участие в выставке пейзажной фотографии "Времена года".

Тогда же состоялась и наша беседа с Михаилом Левковичем, членом Секции фотохудожников Творческого объединения художников Узбекистана при Академии художеств Узбекистана, одним из преподавателей Школы-студии творческой фотографии при ТДФ:

Михаил Левкович
фото Игоря Тена

- Михаил Глебович, работы каких авторов на сегодняшней выставке Вам хотелось бы отметить?

В первую очередь я бы выделил пейзажи троих: Владимира Жирнова, Владимира Соколова и Владимира Гончаренко.

- Вы назвали имена очень опытных фотохудожников...

- Да, Владимиру Николаевичу Соколову, по-моему, уже за 80. И полвека он - один из ведущих фотографов Узбекистана.

- А из поколения более молодых кого могли бы отметить?

- Ну, к примеру, это работы Елены Володиной (она лишь два года назад закончила нашу школу) мне кажутся довольно интересными. Уже выставилась со своими неплохими пейзажами и Ирина Щур, хотя она еще учится у нас в школе-студии. Оля Карандаева (она закончила нашу студию где-то года полтора назад), и Гаяна Аванесян (выпустилась год назад) тоже выставились с интересными пейзажами. Так что, надеюсь, они не зря учились искусству фотографии в нашей школе-студии.

А вот работы самых молодых фотографов я, пожалуй, и не назову. На мой взгляд, сегодня молодежь с претензиями, у них всё должно быть – в виде высоких технологий (компьютеры, цифровая обработка), только вот работать - не умеют. Характерно, что когда у нашего брата (“стариков”) на компьютере что-то не получилось, то мы себя по башке бьём: "опять Я чего-то не понимаю!", а молодой сердится: "дурацкая ТЕХНИКА опять не работает!". У них другой кто-то виноват, а сами они всегда правы...

- Как Вы думаете, что обязательно должно быть в пейзажной фотографии?

- Любая фотография - не просто картинка, а заявленное автором какое-то обращение к зрителю. Другое дело, удалось оно или не удалось...

Недавно я прочитал про отличие живописи и фотографии, и мне это определение понравилось: у живописца произведение должно быть законченным. Вот художник работал-работал над пейзажем и, наконец, пришел к какому-то им самим заданному результату. Его живописное полотно "заявляет" об этом результате. А в работе фотографа, в том числе и в пейзаже, должна оставаться некая недосказанность, в этом - изюминка фотографии. Живописец констатирует, а фотограф скорее призывает к размышлению.

Я как-то присутствовал при разговоре очень интересного фотохудожника Марины Богатыревой с живописцами, где они обсуждали вопрос, что должно нести произведение искусства. Говорили о том, что немудреная картинка без дополнительного смысла, допустим, изображение красивого цветка, которое напоминает о чем-то приятном - это всего лишь рефлексия. Ремесло, а не искусство. Так же просто можно вызвать выработку желудочного сока у голодного при изображении котлеты... И все согласились с выводом, что художественное произведение обязано содержать какую-то дополнительную идею, замысел, о котором надо думать зрителю. Они называли это концептом. И надо признать, что сама Марина Богатырева как фотохудожник мастерски следовала этому принципу, ее фото всегда концептуальны.

От пейзажа опытного мастера отошел и чувствуешь, что он зацепил, хочется еще раз посмотреть и понять, почему он снял так, а не иначе.

Само собой, и у начинающего фотографа работы могут быть живописными, но они констатируют лишь то, что он дошел до этого красивого перевала, посмотрел, снял и пошел дальше. Всё, ответ дан и вопросов нет! Поэтому и зритель только посмотрел и пошел дальше.

35 лет назад Ролан Барт (”Camera Lucida”, 1980г.) определил такие понятия, как "studium" и "punktum". Говоря о живописи, искусствоведы так определяли понятие "studium" (школа): это знание теории и практики живописи, умение следовать законам живописи, благодаря чему создавать "правильные" полотна.

А "punktum" (точка) - это некое свойство работы, которое, как укус комара, будет беспокоить вас, уже отошедшего к другой картине, и заставит размышлять: "а что ж там было?"

Этот же принцип можно отнести к искусству фотографии: школа - когда всё правильно, соблюдаются правила "одной трети" или "темного низа - светлого верха". Но если видна только школа, то - скучновато, работа не цепляет.

Поэтому фотографии начинающих отличаются от произведений опытных именно отсутствием такого "укола", "зацепки". Профессионалы, кроме соблюдения правил создания фотографии, в нее вкладывают еще и какой-то смысл, перехватывающий внимание, рождающий ассоциации и задевающий чувства зрителя.

- Возможно, молодому автору пока нечего сказать?

- Да, чаще всего. Если помните, Виктор Вяткин дал просто фотографию пары ботинок...

- Помню ее, прекрасно сделано!

- Хотя в первый момент ощущаешь протест, верно? Рядом много серьезных работ, а тут какие-то ботинки! Но уходишь, а в голове крутится: "как он так сделал, что именно они из головы не выходят?"...

- Мне кажется, что для художника в любом мастерстве важнее всего оставаться свободным, конечно, - при отличном владении техникой...

- Однако не забывайте, что фотографию с ее рождения, даже еще лет 50-70 назад, считали вообще не искусством, а скорее констатацией чего-то. И появлялись статьи, где с живописью соотносился такой текст:

"Белеет парус одинокий
В тумане моря голубом,
Что ищет он в стране далекой,
Что кинул он в краю родном?"

А с фотографии соотносился уже текст иной:

"В восьми кабельтовых от берега в условиях плохой видимости из-за слабой дымки наблюдается одиночное парусное судно. Причем по маневрам нельзя понять ни направления движения, ни, тем более, цели маршрута".

Т.е. еще полвека назад живопись, как нечто свободное для творчества, противопоставлялась фотографии, такой свободы не имеющей...

К сожалению, для начинающих фотографов редко "белеет парус одинокий" даже сейчас. Они чаще просто стремятся задокументировать то, что видят. Хотя делают всё "по школе". В то же время, как я уже говорил, и в фотографии, и в любом произведении искусства должна быть какая-то мысль, призыв к размышлению, поэтическая недосказанность.

- Говоря о портретной фотографии, нередко употребляют понятие "маска". Применимо ли оно к пейзажной фотографии?

Конечно, понятие маски и в пейзажной фотографии присутствует обязательно. Даже сравнивая цветную и черно-белую фотографии, некоторые упорно утверждают, что по-настоящему художественной фотографией может быть лишь черно-белая. Потому что при взгляде на черно-белую фотографию цвет не бьет по глазам, есть возможность мгновенно "вытаскивать" суть. А в цветной работе колоритное решение отвлекает и мешает сразу оценить содержание.

- Значит, присутствие цвета - тоже некая маска... А можно ли считать маской мысль автора в "школярских" фотографиях", выраженная примерно так: "вот я пришел в такое труднодоступное место, посмотрите, какой я герой!"

В общем-то, да.

- Ну, а разве маска опытного фотографа с его недосказанностью не может означать лишь это: "посмотрите, какой я загадочный"?

Конечно, может. Однако школярские фотографии напоминают прозрачное стекло, а работы профессионала - зеркало, которое отражает его отношение к происходящему вокруг. Вот поэтому-то зрителю и хочется разгадывать эту загадку.

Беседовала Мария Стальбовская

Фотографии Риммы Солодовниковой